…; mso-line-height-rule: exactly;">Первоначальный успех «Брауна» отчасти объяснялся еще и тем, что в конце пятидесятых годов наступило пресыщение «обтекаемым» стилем оформления вещей, массовому потребителю хотелось чего-то нового. И тут-то геометрическая простота и лаконичность изделий «Брауна» пришлась как нельзя кстати. Новизна формы обеспечила им на некоторое время превосходную конкурентоспособность.
Товар пошел нарасхват не только у «простого» потребителя, но у «элитарного», которого потянуло в это время к «упрощению» своего быта.
Как бы то ни было, но успешная деятельность двух рассмотренных нами фирм неразрывно связана с дизайном.
Фирма «Оливетти» получила известность в истории бизнеса своими социальными преобразованиями (фонд социального страхования, льготы для сотрудников). Фирма особое внимание уделяла формированию ярко выраженного фирменного стиля, она стала одним из немногих представителей в мире с современным имиджем. Особую известность фирма приобрела с приходом дизайнера Марчелло Ниццоли и выпуском в конце 40-х пишущих машинок «Лексикон -80» и «Латтера -22». Тогда же возникло выражение «стиль Оливетти». Его особенность в том, что выпускаемый продукт должен быть обязательно красивым и первосортным.
Подробно.В небольшом итальянском городе Ивреа существовала фабрика пишущих машинок «Оливетти». Впервые о ней заговорили в 1911 году, когда на промышленной выставке в Турине ее продукция была отмечена медалью. Начиная с 30-х годов фабрика стала быстро развиваться, и если к 1929 году на ней работало около 700 рабочих и служащих, то к 1965 году количество рабочих перевалило за 50 тысяч. Выпускались уже не только пишущие машинки, но и самое различное конторское оборудование. В этой области фирма производила примерно одну треть всей мировой продукции.
Это может показаться маловероятным, но решающую роль в этой стремительной экономической экспансии фирмы «Оливетти» сыграли ее дизайнеры. Хозяева фирмы раньше других конкурентов поняли и оценили роль дизайна.
В 1927 году на фабрику были приглашены художники Джованни Пинтори и Александр Щавинский поэт Леонардо Синисгалли, который возглавил отдел рекламы и всевозможных публикаций. Так образовалась одна из первых дизайнерских групп в Европе. Перед ней была поставлена задача завоевания монопольного положения фирмы в области конторского оборудования. Когда в 1936 году отдел возглавил Марчелло Ниццоли, фирма приступила к подготовке нового наступления. Это наступление началось сразу после окончания мировой войны. В конце 1940-х годов выпускаются сенсационные по своим эстетическим качествам модели пишущих машинок «Лексикон-80» и «Леттера-22». Это был большой успех: возникает выражение «стиль Оливетти».
«Стиль Оливетти» — это не приверженность к каким-либо определенным пластическим формам и приемам в оформлении, не формальное единство продукции, совсем нет. «Стиль Оливетти» — это стремление сделать любую продукцию обязательно красивой, фабричные здания строить красивыми, в самом современном стиле. Даже письма, деловая корреспонденция, исходящие от фирмы, должны быть изящно оформлены и написаны с хорошим литературным вкусом — все должно быть привлекательным, первосортным.
Деятельность дизайнерских групп «Оливетти» нельзя оценивать только с точки зрения чисто коммерческого успеха. В фирме «Оливетти» сотрудничали многие выдающиеся прогрессивные представители искусства, архитектуры, литературы. В конечном счете деятельность этого отряда высокоодаренных людей явилась несомненно вкладом в общечеловеческую современную культуру.
Фирма не только создает те или иные отдельные машины. Она производит полные комплекты оборудования для любых систем конторских операций во всем мире.
Крупные комплексно оборудованные конторы не просто эффективны в практическом отношении, они еще и символ современного бизнеса, реклама его экономического преуспевания и мощи, а также объект восхищения для администрации, клиентов, посетителей и даже для кино- и телехроники. Это уже не просто контора, а зрелище, причем зрелище, по-своему изысканное. Так «стиль Оливетти» стал сам формировать эстетическое восприятие, вкус и потребности заказчика. «Оливетти» остается и поныне в авангарде мирового дизайна.
Итальянский дизайн. В послевоенной Европе на первый план в области дизайна выдвигается Италия, она становиться дизайн нацией. Выдающиеся примеры синтеза искусств являли работы Карло Молино. Со своей экспрессивно волнообразной мебелью из гнутой фанеры он стал экстравагантным представителем органического стиля в Италии.
Особенности Итальянского дизайна:
1. Предметы понимались как индивидуальные личности и могли символизировать определенный статус.
2. Понимание дизайна как области культуры. Идея фирменного стиля получила в Италии широкий размах. Образцовым примером была политика фирмы «Оливетти»
3. «Радость эксперимента» - связанная с появившимся в середине 60-х пластмассами, предлагавшими новые возможности формообразования.
Поп-культура. Радикальный дизайн. Анти-дизайн. Оп-арт в дизайне. Футуристический дизайн. Предметная среда эпохи освоения космического пространства.
Поп-культура. Радикальный дизайн. Анти-дизайн. Оп-арт в дизайне. Футуристический дизайн. Предметная среда эпохи освоения космического пространства.
60-е.Освоение космоса. Мебель самой разной формы. Широко используется пластик различных цветов многослойный. Бытовая цветастость. Космические полеты – мода и часть формообразования. Доминирующие цвета белый и серебряный. Кресло – шар, шарообразные радио и телевидение. Стримлайн. Космические мотивы в одежде и мебели. Короткие стрижки.
Ульмская школа. Стилевым принципом стал функционализм (хорошая форма). Модульное изготовление. Футуристический стиль в моде. Первая униформа. Много футуристичных предложений о городах парящих, подводных и передвигающихся. Геодезический купол Фуллера из просвечивающих пластмасс. Жилые ячейки с агрегатами для жилья.
70-е. Нежелание жить по послевоенным признакам. Конфликт «отцы и дети». Хиппи – идея свободы от всего. Ранняя эстетика хиппи – натуральность (не мыться, не расчесываться). Длинные волосы, рваные джинсы и длинные юбки. Этнические мотивы. Характеристика: поп-арт, культивирование мусора, одноразовая мода (одел – выбросил). Платья из бумаги, мебель из гофрокартона. Комиксы, пластиковая мебель. Поп-арт – анти-искусство, радикальный дизайн. Низменное искусство. Вдохновлялись обыденными вещами: банки, электроника, страницы журналов, банковские билеты, фотки. Чудовищные размеры, гигантизм. Энди Уорхол (Мерлин, банки), Лихтенштейн, Джонс. Сексуальная свобода. Создание инсталляций и трехмерных конструкций. Сборно-разборные вещи, чтоб человек мог фантазировать и создавать индивидуальные вещи. Оп-арт (Вазарелли). Анти-дизайн. Студия Алхимия. Соединение популярной культуры и радикального китча. Коллекции «баухауз1» и «баухауз2».
В конце 50-х в обстановке процветающего «американского общества потребления» возникло новое течение в искусстве - поп-арт.
Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, возвышая ее самые обыденные, ординарные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновение из так называемого «низменного искусства». Тщательно изучая рекламу, мир средств массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляя в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские бланки.
Самыми известными представителями поп-арта были Роберт Рашенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс и Джеймс Розенквист, Энди Уорхол.
Дизайнеры стиля «поп» искали менее серьёзный смысл в своих произведениях. Это стиль для молодых. Идея производства добротных и долговечных товаров уходит на второй план, уступая место лозунгу «сегодня использовал – завтра выбросил».
Особой популярностью пользовался пластик.
В связи с тем, что поп-дизайн ориентировался, главным образом, на молодежный рынок, товары были дешевыми и, как следствие, часто посредственного качества.
Оп-арт. Новым в подходе оп-арта было то, что это искусство являлось строго беспредметным. Оно развилось частично из геометрической абстракции. Значительное место в оп – арте занимают конструкции, воздействие которых зависит от света и движения и не может быть достаточно передано в альбомной репродукции.
Направление оп-арт, названное из-за увлечения его сторонников оптическими эффектами, с учётом физико-психологических особенностей зрительного восприятия. Художники этого направления были заняты в основном созданием оптических иллюзий.
Главным теоретик оп-арта – Виктор Вазарели. Большая часть его работ выполнена в чёрно-белой гамме. Он разрабатывал концепции кинетизма и двухмерности картинной плоскости. Применив аксонометрическую проекцию, он имитировал движение самого зрителя и тем самым достигал особой динамики.
Поп-дизайн вместе с другими течениями антидизайнерской направленности противостоял «современному движению», заявлявшему «меньше – значит лучше», и привел к радикальному дизайну 70-х.
«Радикальный дизайн» возник в конце 60-х как своеобразная реакция протеста на господствующий в это время «хороший дизайн». Возникший одновременно и близкий ему по понятию «Антидизайн» отличался несколько большей экспериментальной направленностью и политизацией. Он старался изменить общественное восприятие модернизма посредством утопических предложений и проектов. Историю возникновения и развития движения «антидизайн» обычно тесным образом связывают итальянским дизайном. Здесь в конце 60-х гг. новое поколение архитекторов и дизайнеров было недовольно уровнем образования и условиям работы, а так же ориентированным на потребителя промышленных изделий. Желание проектировать элегантные изделия больше не было, старались думать концептуальнее и глобальнее, по новому смотреть на процесс предметного формообразования. Основными центрами «Радикального дизайна» в Италии были Милан, Флоренция, Турин, где объединенные в группы дизайнеры занимались развитием кардинально нового направления в поисках «человеческого я». Конкретные объекты создавались все реже, а если и создавались, то с политическим, ироничным, провокационным смысловым содержанием, так как философия «радикального дизайна» была полностью антикоммерческой. Формы заимствовались из поп-арта и дизайн утопии.
Сенежская студия. Комплексные культурно-экологические проекты благоустройства территорий. Первые выставки молодых дизайнеров в музее Маяковского. ВНИИТЭ. Поиск новой тематики объектов. Основные концепции экспериментального моделирования. Кинетическое искусство. (Группы: «Движение», «Мир», «Арго». Проекты; Б.Стучебрюкова, Л.Нусберга, В.Колейчука, Ф.Инфанте). Структурно-геометрические формы. (Бондар, Пушкарев, Гамаюнов). Роль материала, фактуры и сюжета. (Ермолаев и группа ТАФ).
Сенежская студия. Комплексные культурно-экологические проекты благоустройства территорий. Первые выставки молодых дизайнеров в музее Маяковского. ВНИИТЭ. Поиск новой тематики объектов. Основные концепции экспериментального моделирования. Кинетическое искусство. (Группы: «Движение», «Мир», «Арго». Проекты; Б.Стучебрюкова, Л.Нусберга, В.Колейчука, Ф.Инфанте). Структурно-геометрические формы. (Бондар, Пушкарев, Гамаюнов). Роль материала, фактуры и сюжета. (Ермолаев и группа ТАФ).
В истории советского дизайна есть ряд вещей – символов, олицетворяющих целые десятилетия с их характерным стилем жизни, уровнем техники, политической обстановки. В 50 –е это телевизор, КВН и автомобиль «Победа», в 60-е – сумка «авоська», приемник «Спидола» и космические корабли, валенки, папиросы «Казбек», «Беломор», конфеты «Мишка косолапый».
Форма организации дизайнерской профессии – это тоже история: от художников – конструкторов на предприятиях – к современным дизайн студиям и рекламным агентствам.
Экспериментальный дизайн
В 1950г. была разработана серия экспериментальных моделей: 2 варианта микролитражек «Белка», а также автомобиль высшего класса «НАМИ-13», заново создана система службы Аэрофлота – со всеми графическими атрибутами, реконструированы аэропорты в Москве и Ленинграде.
Экспериментальные модели явились стимулом к созданию самодельных конструкций микролитражных автомобилей, появилась масса талантливых самодельных конструкций, собранных из разнообразных материалов. Все эти новинки демонстрировались на выставке советского дизайна в Варшаве, подготовленной ВНИИТЭ.
В 1962г. специальным постановлением Совета Министров ССР был создан всесоюзный научно – исследовательский институт технической эстетики (ВНИИТЭ). (Директором ВНИИТЭ был российский дизайнер Лев Кузьмичев).
На Институт возлагалась разработка и внедрение методов художественного конструирования, координация научно – исследовательских работ в этой области, обобщение и распространение лучшего отечественного и зарубежного опыта в дизайне., а также разработка массовых изделий машиностроения и товаров культурно – бытового назначения.
ВНИИТЭ занимался пропагандой дизайна, дизайнерским образованием и проектированием.
В 1976г. во ВНИИТЭ был разработан проект детского конструктора для сюжетно – ролевых игр. Его автор А. Ермолаев (дизайнер, художник, педагог, руководитель студии ТАФ - театр архитектурной формы), Рубцова, Симонова. Деревянный каркас с разноцветными матрасами и мягкими игрушками – все это позволяло не просто комбинировать детали, а строить своеобразные смысловые ландшафты. Композиции акцентировали не только возможности структурной комбинаторики, сколько образные и реальные ситуационные возможности конструктора. Это был первый конструктор, с помощью которого можно было моделировать осмысленные ситуации.
Реальная работа многих дизайнеров в Советском Союзе в 70-е годы зачастую представляло собой дизайнерское проектирование в строгих рамках отраслевых конструкторских бюро. Дизайнер превращался в простого служащего. Как своеобразный выход, а отчасти и протест сложившейся ситуации стало движение «Бумажное проектирование», «Бумажная архитектура», «Бумажный дизайн». Лидеры «Бумажной архитектуры» завоевали ряд наград на концептуальных международных конкурсах, как архитекторы, не имевшие возможности реализовать себя на практике.
За более чем 2 десятилетия существования студии было выполнено множество перспективных проектов – это большие макеты городской среды из бумаги. Сенежской студией демонстрировался синтез предметного творчества с архитектурой.
Кинетизм – вид художественного творчества, в основе которой лежит идея движения формы, любого его изменения, трансформации – любой формы «жизни» произведения, как его созерцает зритель.
На рубеже 19-20-го века, на этапе становления и формирования дизайна как новой сферы творчества внимание акцентировалось на активном внедрением в различной области жизни продуктов индустриального производства, отказы от традиции в пользу нового, отказе от декоративности в пользу функциональности. В целом такой радикализм играл на этом этапе развития дизайна положительную роль
Движение «Бумажное проектирование», «Бумажная архитектура», «Бумажный дизайн». Лидеры «Бумажной архитектуры» завоевали ряд наград на концептуальных международных конкурсах, как архитекторы, не имевшие возможности реализовать себя на практике.
В дизайне это нашло выражение в работах Сенежской студии. В 60 -70 годы художники моделировали различные типы и группы потребителей, подразумевая их постоянное присутствие в своих проектах.
Было выполнено множество перспективных проектов – это большие макеты городской среды из бумаги. Сенежской студией демонстрировался синтез предметного творчества с архитектурой.
Широкую известность в 70 –е г. получили эксперименты советских дизайнеров, связанные с художественным осмыслением научно–технических достижений. Одно из таких направлений – создание кинетических композиций. Ярким представителем является архитектор Вячеслав Колейчук, член группы кинетического искусства «Движение», автор оригинальных вантово–стержневых конструкций.
Возникшие в 70-х годах экологический подход в дизайне явился реакцией на стихию научно техническую революцию. С этой точки зрения экологический дизайн – одно из направлений всемирного экологического движения, задача которого входит охрана и восстановление окружающей среды. Основные принципы экологического дизайна: максимальная экономия природных ресурсов, использование энергетических ресурсов, достижения долговечности изделия.
Дизайн в эпоху постмодернизма. Стиль группы «Мемфис» и «новый дизайн». Итальянский стиль в современном дизайне. Направления и особенности современного американского дизайна. Феномен японского дизайна. «Метаболизм». Развитие информационных технологий и направления дизайна. Творчество крупных современных дизайнеров (3-5 по выбору). Актуальные направления современного дизайна.
Дизайн в эпоху постмодернизма. Стиль группы «Мемфис» и «новый дизайн». Итальянский стиль в современном дизайне. Направления и особенности современного американского дизайна. Феномен японского дизайна. «Метаболизм». Развитие информационных технологий и направления дизайна. Творчество крупных современных дизайнеров (3-5 по выбору). Актуальные направления современного дизайна.
80е.Эпоха компа. Форма следует за функцией – это понятие разрушено. Радикальный дизайн. Постмодерн. Компьютер трансформирует общество и является символом и материальным носителем техно-революции. Постмодернизм – китч, смешение стилей и эпох. Соединение несоединимого, состояние необработанности. Грубые материалы: бетон, сталь. Ясность и простота. Индивидуальность вкуса, отсутствие норм. Хай-тек. Каркасные коммуникации не прячутся, а выставляются наружу. Насыщенность технологиями. Локальность. Привнесение в интерьер зубоврачебных кресел, лабораторного стекла как посуды. Группа Мемфис, отделившаяся от Алхимии, ориентировалась на массовое производство. Объекты – как детские игрушки. Спонтанная связь между объектом и потребителем. Принцип хаоса. Ж.П.Готье обратился к вульгарным материалам порнографической области – резина, лак, кожа. Спровоцировал раскрепощенность. Разрушил этим эстетическое и моральное табу. Садомазо атрибутика.
90е. Нанотехнологии. Минимализм. Стремление к миниатюризации. Прогресс в микроэлектронике. Эволюция: магнитофон-кассетный плеер-cd плеер-mp3 плеер.
Нано – бестелесный дизайн (компы - сайты, зрительные но не осязательные вещи). Биодизайн, нано-технологии. Умные города – с передвижными архитектурными объектами. Бионика, стремительное развитие технологий. Природные яркие цвета. Исчезновение понимания функции и предметов в традиционном понимании. Компания «сони» выпускает «карманную продукцию». Выпуск кассетных плееров, ставших иконой молодежного стиля. Транспортабельность, легкость, маленькие размеры, высокая производительность, стильные, удобные. Характеристика: Локальность, ничего лишнего в пространстве. Трансформирующаяся мебель. Ощущение монолитности (крепления маскируются) Цвет – это декоративность. Свет в сочетании с подсветками. Локальные яркие цвета. Минимализм – идейная формула чистоты, совершенства и комфорта. «Ничего лишнего». Аскетичный дизайн, отсутствие швов, крупные монолитные формы, с идеально обработанными поверхностями (шкафы-купе). Образцы – вся сегодняшняя техника. Часы Свотч. Филипп Старк: Соковыжималка из которой неудобно давить сок. Интернет, Виртуальная реальность. «Корабль свободы», «умное жилье».
Постмодернизм распространился с начала 70-х годов XX века как тип мировоспрятия, согласно которому мир не рационально устроен, он сомнителен и непознаваем. Этот стиль, отрицая современный функцианализм, объединил различные концепции многочисленных экспериментаторов, существовавших в это время. Еще в 1966-м году в США вышла книга Роберта Вентури «Сложность и противоречия в архитектуре», где были сформулированы принципы антифункционализма. «Я скорее за богатсво значений, чем за ясность значений; я за неявную функцию, так же как и за явную функцию. Я предпочитаю «и то и другое», а не «или то, или другое», и черное и белое, а иногда серое, - черному или белому». Постмодернизм не отрицает прошлое, а пересматривает его иронично, без наивности. Более в широком смысле это понятие начало применяться после издания книги Чарльза Дженкса «Язык архитектуры постмодернизма»(1977 г.), ставшей третьей среди «книг века», посвященных архитектуре. Постмодернизм стал лозунгом, вокруг которого консолидировались разрозненные экспериментаторы. Постулат модернизма «форма следует за функцией» был разрушен. Семантическое значение объекта стало столь же важным, как и его практический смысл Постмодернизм обратился к декоративности и красочности, китчу и шику, индивидуальности и образной семантике элементов, к ироничности и цитированию исторических стилей. Архитекторы и художники постмодернизма использовали цитаты из не только прошлых стилей, но и из сюрреализма, китча, компьютерной графики. Постмодернизм отвернулся от монохромности, от рациональных форм В этом же 1977 году американский архитектор Роберт Стерн назвал «три его принципа или точнее подхода»: контекстуализм, аллюзианизм и орнаментализм. Первый принцип – подчинение архитектуры факторам, исходящей из конкретной среды и контекстов культуры; второй – введение в объект намеков (аллюзий), отсылающих к историческим стилям. При этом аллюзии отличаются от прямых цитат ироническим отношением к источнику. Третий принцип - круг архитектурных элементов очень широк, он выходит за пределы утилитарно необходимых В начале 80-х складывалось сосуществование различных концепций, связанных на уровне скрытых культурных значений, но воплощавшихся в несхожие визуальные модели. Это и постмодернизм, и хай-тек, и деконструктивизм. Яркими представителями постмодернизма стали архитекторы: Роберт Вентури, Рикардо Бофилл, Чарльз Мур, Роб Криер, Майкл Грейвс, Альдо Росси, Ханс Холляйн. Многие из них работали и в области дизайна Начинавшийся в архитектуре с теоретических предпосылок, постмодернизм продолжился в дизайне в виде концепции коммерческой культуры, став, в итоге, ее частью. Постмодернизм создал новое представление о дизайне как о проектировании, ориентированном на потребителя. Он дал толчок к поискам яркого и значимого дизайна с новым смыслом и экологической моралью.
В постиндустриальном обществе 80-х была окончательно разрушена господствовавшая до этого доктрина современного движения «форма следует за функцией».
Термин «постиндустриальное общество» родился в США на рубеже 50 – 60 гг., его использовал Даниел Белл.
Продолжение »
